martes, 11 de junio de 2013

Rebelión y conservadurismo de 1984


Presentaciones sobre "1984" G. Orwell from joliververmeulen



La necesidad de Orwell de legitimar el conservadurismo se debe a proteger el civismo y la lengua tradicional. Ninguna sociedad deseable puede existir si la llegada del hombre nuevo depende de nuestra capacidad de olvidar el pasado.  Por tanto, ninguna sociedad digna de las posibilidades modernas puede existir si el movimiento radical mantiene elementos conservadores. Este pasado sirve para que cualquier elemento revolucionario no se convierta en una variante más de los errores ya cometidos.

            Por tanto, si Winston Smith conserva alguna parte de humanidad es por su admiración al pasado; pero esto es lo que le lleva a ser descubierto por el gerente de la tienda de las antigüedades que es un agente encubierto de la policía del Pensamiento. Esta pasión es la verdadera razón de la rebelión, que por tanto es una rebelión conservadora. También es muy importante recalcar que en la neolengua, “conservadurismo” designa justamente a “crimen de pensamiento”, toda la complicidad con todas esas encarnaciones del mal político, como la derecha, el orden establecido o la sociedad de intolerancia y exclusión.

            En Inglaterra la oposición entre Whigs y Tories se impuso a partir del siglo XVII para distinguir entre el partido del movimiento y el del conservadurismo, y es importante decir que la mentalidad de la izquierda de romper con la mentalidad conservadora no debe confundirse con las exigencias culturales del capitalismo, ya que defiende que la civilización tiene que ser cualquier cosa menos conservadora.

            Por tanto, el capitalismo consiste en diluir constantemente todas las condiciones existentes. Desde esta perspectiva, la última posibilidad del termino socialismo es convertirse en otro nombre del desarrollo imparable de la gran industria, que trae consigo la tiranía de los mercados financieros, el urbanismo excesivo y la sobrecomunicación. Por eso el miedo a parecer desfasado está presente en el pensamiento de la mayoría de los intelectuales de izquierdas, que unen el futuro radiante con el cibermundo, y lo complementan con el espíritu “liberal-libertario” que domina el mundo de los espectáculos y la comunicación.

            A lo largo del siglo XX las ambiciones históricas de la izquierda han podido usarse fácilmente contra el pueblo, ya que cuando el progresismo se presenta como la simple verdad idealizada del capital, es hora de adoptar abiertamente cierto conservadurismo crítico, que hoy en día es uno de los pilares necesarios para poder criticar la sobremodernidad.

martes, 4 de junio de 2013

Reflexión Doña Perfecta

Presentación- Simbolismo bíblico en "El señor de las moscas" de William Golding


Presentacion el sen¦âor de las moscas from superbelu





Introducción


            El artículo trata el simbolismo bíblico presente en la novela “El señor de las moscas”. El método usado para analizar la relación entre ellos es la lectura paralela de ambas obras. Su autor, William Golding, fue un famoso novelista galardonado con premios como el Nobel de Literatura.

                        Temas de la novela

            El título ya hace referencia a la Biblia ya que es la traducción del hebreo de uno de los pseudónimos de Satán.
            El tema de la novela en si es bíblico: la perdida de la inocencia de un grupo de jóvenes que por accidente acaban atrapados en una isla desierta y pronto se convierten en cazadores sedientos de sangre.
            La isla desierta representa el paraíso, el Edén, y su perdida de la inocencia no es a causa de crecer, es por descubrir su lado oscuro. El crecer significa entender que el lado oscuro representa algo inherente al ser humano.
            El tema bíblico también se ve al principio, cuando Jack, que es el líder del coro, una institución religiosa, no duda en cometer crímenes, lo que relaciona a la religión y a la violencia.
            La caída del avión de los niños simboliza la caída del cielo y por tanto la perdida de la inocencia divina.

                                    Personajes:

            Ralph: Es nombrado líder por tener sentido común, y aunque como todos los demás pierde la inocencia en la isla, él llega a entender que esa maldad es algo inherente al ser humano, y es una constante lucha interior entre el bien y el mal.

            Piggy: Es extremadamente inteligente y racional, pero está aislado ya que solo puede comunicarse con Ralph. También es el primero que se da cuenta de que Jack es la encarnación de “la bestia”, y su creencia de que el bestia no está en el interior de ellos le vuelve loco. También es el único que cree que la muerte de Simon es accidental, e irónicamente muere de una forma similar.

            Simon: Nombrado como dos de los apóstoles, es un personaje muy singular, al igual que Piggy está aislado de los demás, y siempre cuida a los pequeños y por tanto más débiles, por lo que se podría decir que es una caracterización de Jesucristo.  Simon siempre intenta demostrar que no hay más mal que el de dentro de ellos,  pero es asesinado por Jack y sus cazadores en un ritual antes de que le revelase a los demás su teoría.
            Presenta similitudes también a Moisés, ya que sube a la cima de la montaña para revelarle conocimientos a los demás. Al subir la montaña para descubrir la verdad sobre la bestia, es decir, el mal, a los demás, sabe que algo malo le espera; este hecho tiene claras similitudes con la “via crucis” de Jesucristo antes de su muerte.

            Jack: Es un personaje en cierto modo satánico, que se convierte en la reencarnación del diablo, con también ciertas similitudes a Judas. Él es el causante de todos los problemas de la isla, y su objetivo es conseguir el control total como líder. Como Judas, traiciona el interés del grupo, y con su sed de sangre en aumento, también aumenta su control sobre los demás. Aprende a usar el miedo de todos hacia la bestia a su favor para controlarles y manipularles.

miércoles, 22 de mayo de 2013

Presentación "El Perfume"


Presentacion final from superbelu


La saturación social y el no lugar


                  Concepto de saturación ejemplificado desde Grenuille y Cyril

            La saturación social remueve la manera de ver el mundo en la modernidad, a causa de el exceso de estímulos sociales recibidos, que cambian nuestra vida cotidiana y relaciones.
            Esta situación causa que los individuos se conceptualicen a si mismos y a los demás, además de haciéndole cumplir con diferentes roles sociales y por tano destruyendo su yo-autentico  “el yo plenamente saturado deja de ser el yo”


                        Los símbolos del no-lugar en Grenouille y el ejemplo en Cyril

            Un personaje que se encuentra en esa dinámica tiene dos opciones: o aceptar esta situación, como hace Grenouille, dejándose devorar por los humanos que odia, lanzándose a la nada, anulando el símbolo del yo.

            La otra opción es recuperar el no-lugar, como hace Cyril, alejándolo de la saturación.

            Gergen considera que los objetos de los que hablamos no están en el mundo, son perspectivas particulares, en el caso de Grenouille lo es el perfume perfecto, y en el de Cyril el hogar que busca, son concepciones de los personajes; ambos objetos además representan el fin de una búsqueda, un camino, siendo el estado “perfecto” de los personajes.

            Los protagonistas están en un estado de construcción y deconstrucción permanente, que les lleva a autoanularse, así aproximándose a la soledad.

            Los no-lugares son espacios que no se pueden definir como espacios de identidad, relacional o históricos, y por tanto es un espacio que se recompone y deconstruye constantemente, amontonando así espacios, que por tanto “no son” en su totalidad.

            Este concepto de aprecia más cuando Cyril busca su hogar, que elije con un globo terráqueo que encuentra en una tienda de objetos perdidos que no estaba en ningún lugar. Es interesante que Cyril también viene de no logares, ya que ha pasado toda su vida en hoteles trenes y otros sitios que no contribuyen a la creación de una identidad individual. Cyril busca un sitio que sea suyo, un no lugar donde, al igual que Grenouille, se auto-anula, ya que no es un individuo en construcción.

            En cuanto a Grenouille, podemos ver como este procede de un no-lugar, ya que los barrios pobres donde nació estaban infestados de olores, presencias e imágenes que no contribuyen a la creación de un individuo. También cabe destacar que lo que crea los no-lugares en la obra es la percepción del mundo de Grenouille, que coloca los lugares donde encuentra su olor, llevándose así con él lugares, viviendo por tanto en una saturación de no-lugres que su mente crea.           


                        Personajes sobremodernos

            Grenouille se considera sobremoderno por su relación excepcional con el ámbito que le rodea, que le satura, por lo que se anula en el no-lugar en el que nació a través de olores en su imaginación.

            De igual manera, Cyril vive inmerso en la saturación a la que se sometió en los no-lugares de su vida, de la que intenta escapar yendo a otro no-lugar con la intención de en la soledad anularse a si mismo y por tanto convertir su hogar en un lugar.

domingo, 19 de mayo de 2013

"La naranja mecánica"

     La película presenta una clara  realidad distópica, una realidad posible pero indeseable, que se puede ver desde el principio cuando presenta una realidad donde un grupo de jóvenes, liderados por el protagonista de esta película, Alex, dedican su tiempo a realizar robos violentos, violaciones y palizas a gente inocente, sin presentar ningún síntoma de culpa. Como contraposición a esto podemos ver como durante el día Alex es un chico muy simpático con su familia, sin presentar ninguna característica de las que presenta por las noches con sus amigos. También podemos ver una distopía en como para ser liberado Alex acepta ser sometido a un proceso que le impide actuar mal, es decir, le quita su libertad, llevándole hasta un intento de suicidio.
     Otro elemento distópico importante es el detalle de que una vez sometido al proceso, se encuentra a sus amigos, que le traicionaron llevándole a esa situación, que en ese momento eran policías, a pesar de su naturaleza violenta que aun conservan como se observa cuando torturan a su amigo para reírse de él.
     Por último podemos ver como el político que autorizó su tratamiento le paga los tratamientos para recuperarse, solamente por la opinión publica, ya que trae fotógrafos simplemente para que retraten como le ayuda.
     Por tanto la película presenta una realidad violenta, corrupta, sin libertad, sin ninguna autoridad que no sea ni violenta ni corrupta y manipulativa, siendo por tanto una gran crítica social, ya que no en el grado de la película, pero muchos elementos de los mencionados estaban presentes en la sociedad cuando fue hecha la película.

jueves, 25 de abril de 2013

Presentación Calderón


Pedro Calderón de la Barca from Aina Folch





            Calderón parte de la fórmula dramática de Lope de Vega y sus seguidores, pero gradualmente introduce en ella unos cambios, que implican la renovación del género de la comedia nueva.

            Calderón suele respetar la unidad de acción, respetando el trazado de los argumentos, y evitando la acumulación de accidentes e intrigas secundarias.

            Limita el número de personajes, y suele destacar uno de los demás, convirtiéndolo en el eje sobre el que gira la acción de las obras, y en torno a quién se organizan los demás personajes.

            Los protagonistas suelen tener un carácter intelectual y reflexivo: suelen exponer sus ideas a través de largos parlamentos, que son una de las características del teatro de Calderón, a pesar de que siempre trate de igualar en sus obras los largos monólogos y diálogos. Estos personajes suelen estar presionados por la norma moral, que les obliga a comportarse de una forma determinada. No obstante, a veces los personajes ignoran estas normas morales usando su libertad. En las obras de Calderón, estos personajes obtienen su merecido a través de la justicia poética que usa en sus obras.

            Calderón tiene un lenguaje mucho más elaborado y artificioso que Lope de Vega, y en su obra se advierte el uso tanto de recursos conceptistas como culteranos, pero se denota una inclinación hacia la lengua gongorina. Este echo se relaciona directamente con el tipo de público de sus obras, que en su mayoría eran cortesanos y cultos. Esto también explica la riqueza decorativa, la aparatosa escenografía, la música, los textos recitados y cantados y la mayor elaboración estilística.

            Calderón usa en su obra, al igual que Lope de Vega, fragmentos líricos, pero al contrario que este sus canciones no se pueden extraer de contexto, ya que surgen de acciones.

            Calderón también usa en sus obras los símbolos y las alegorías, que usa como medios para transmitir determinados contenidos y plantear problemas universales de la existencia humana.

            Los temas de sus comedias son los mismos que toda la comedia barroca: la historia y las leyendas nacionales, la mitología, la religión, el honor, el amor, y los celos.

            En su obra destaca el proceso de reflexión intelectual al que somete todos los temas y motivos que en su momento se convirtieron en tópicos. Usando estos argumentos convencionales, Calderón es capaz de plantear problemas que conciernen a la existencia humana. Con su gran bagaje cultural y su habilidad en el planteamiento dialéctico de los problemas disecciona en su obra con suma agudeza los entresijos de la conciencia humana.

            El teatro de Calderón muestra un momento histórico en el que ya se atisba el enfrentamiento que tendrá lugar en el siglo 18 entre razón y fe. En muchos personajes calderonianos coexisten la fe y el espíritu crítico, la credulidad y el escepticismo, y es que es característico del teatro de Calderón el enfrentamiento entre contrarios: el determinismo y el libre albedrío, la fe y la incredulidad, el caos del mundo y la providencia divina, la vida concebida como esperanza y la vida como castigo.

            Muchos de estos personajes calderonianos son individuos arrojados a un mundo inexplicable, ansiosos de interpretarlo por medios racionales y sometidos a un destino ante el que, impotentes, intentan rebelarse. Calderón niega la posibilidad de explicar el mundo con la razón, y cree que solo puede justificarse acudiendo a un ser superior, Dios, que así lo ha dispuesto todo.

            Pero esta explicación religiosa no impide que algunos personajes tengan un destino trágico, una consecuencia del enfrentamiento entre su libertad y su destino. Calderón logra dar calidad humana a estos seres sometidos a conflictos abstractos y metafísicos. En sus textos, convive la tragedia clásica griega con la doctrina católica de la libertad, dando lugar a un característico drama trágico católico, que muestra la maestría de calderón para comunicar las enseñanzas religiosas.

            Sin embargo, en la obra de Calderón, no se puede ignorar que se entrecruzan y complementan el sentido trágico y la comicidad irónica. Los elementos cómicos ya no solo aparecen en entremeses, comedias y obras menores, sino que hasta en las tragedias hay momentos y situaciones donde sirve de contrapunto a los temas serios, razón por la que tiene mucha importancia la figura del gracioso que aligera el efecto de los personajes serios y sus largos parlamentos.

lunes, 15 de abril de 2013

Educar para el cambio


La serie de vídeos de “Playing for change” como dice el mismo nombre, dan una sensación de internacionalidad de la música y de igualdad, mostrando los talentosos artistas de países pobres y ricos, donde también sufren problemas económicos. Cada canción da en mi opinión un mensaje concreto además del mensaje general de la serie, siendo el de la canción “Three lilttle birds” la esperanza y despreocupación de la gente de muchos países, a pesar de ser en su mayoría pobres los artistas. La canción “Sittin on the dock of the bay” da, en mi opinión, un mensaje de la pasividad del pueblo en general, que no se ve capaz de generar ningún cambio en una sociedad donde el dinero es el poder. El tema “One love transmite para mi un mensaje de igualdad y paz, tocado por gente de muchos países diferentes. La última canción, “Stand by me” parecía dar un mensaje sobre la necesidad de tener compañeros que tenemos, y de como en la sociedad de hoy en día un proyecto como este puede juntar a gente de culturas diferentes y países muy alejados.

jueves, 14 de marzo de 2013

La controvertida búsqueda de Salinas- Elsa Dehennin


           Este artículo trata de los tres poemarios de Salinas: La voz a ti debida, Razón de amor y Largo lamento, teniendo en cuenta el prólogo de Jorge Guillén, amigo de Salinas.
            En el artículo se van analizando poemas, versos o conceptos en concreto, dando la opinión de Guillén. Este está en contra de la tesis de Leo Spitzer, de la que dice que disgustó a Salinas, rechazando su teoría de que sus poemas sean solo “la especulación metafísica de poeta mismo”, siendo “la amada negada”, un fenómeno de la consciencia del autor.
             Según Elsa, esa afirmación de Guillen es solo cierta en parte, y le da la razón a Carlos Feal Deibe, para quien la realidad verdadera de la amada está dentro de ella, no de él, ya que la esencia y la existencia no se pueden separar. Guillén también estaba de acuerdo con  Pierre Darmangeant, que, por ejemplo, creía que con el verso “las oyes como piden realidades” se pretendía superar la zona física en la propia zona física.
            Otra de las razones por las que Guillén está en contra de Spitzer es porqué de entrada el método que él usaba no le parecía correcto, ya que no se leyó ningún estudio crítico sobre la obra del poeta, dándole una imagen fija a partir de su obra.
            Pero a pesar de ser considerado contradictorio por Spitzer, y con ambigüedades por Guillén, la obra de Salinas hoy en día es estudiada con menos controversia, a pesar de que aun se discuten las ideas de la carnalidad y la no carnalidad de el amor de sus poemas. La pasión de Salinas es considerada humana, es decir, no mística, pero con cierta envoltura mística, una relación entre lo material y lo trascendente.
            Desde el principio, en 1912, Salinas confiesa su inquietud, duda y miedo hacia el destino y la muerte, e incluso luego, en los años 30, teme perder el amor puro que tanto anhela, ese amor que trasciende hacia lo infinito pero a la vez es imposible de explicar.
            Para Salinas, como se ve reflejado en la Voz a ti Debida y Razón de Amor, escribir diariamente se convierte en una necesidad ineludible, teniendo cierto carácter de diario o carta, que van dirigidos hacia ese “tu” ausente que es la amada.
            Según Spitzer, los pronombres tu y yo son entes metafísicos, que dan a los amantes una profundidad de esencia que les acompaña siempre.
            En conclusión, la autora de este artículo considera que los pronombres yo y tu son formas ingeniosas de hacer reales en la lengua imposibilidades del mundo físico, además de darle valores irreductibles y absolutos al sujeto, concluyendo con que dicha experiencia espiritual no se llevaría a cabo sin la “complicidad de lo corpóreo”, es decir, del mundo físico.

lunes, 14 de enero de 2013

La voz a ti debida

     La voz a ti debida era el título de una égloga de Garcilaso de la Vega, que formó parte del "dolce still nuovo", que usaba la lírica italianizante. Ademas de Garcilaso influyeron en Salinas otros artistas de la época que tenían la característica común de hacer un cambio.
     En esta obra de Salinas se pierde el yo, al proclamarse que la amada es la razón de la poesía, y por tanto el autor se desdiviniza, divinizando así a la amada, y creando una poesía pura, con la influencia de Juan Ramón Jiménez, destruyendo así los arquetipos, que solían estar presentes en los cuentos y en muchas obras.